Non sorprende che durante la cosiddetta “tulipmania” nei Paesi Bassi, dove i prezzi di un singolo bulbo di tulipano salirono alle stelle, il tulipano era tra i fiori più popolari da includere nei dipinti di nature morte olandesi ed era un simbolo di virtù e nobiltà.
È interessante notare che i sontuosi bouquet catturati su tela raramente includevano fiori di campo, poiché allora i fiori coltivati erano molto più di moda.
Il termine still-life (natura morta) venne utilizzato per la prima volta nei Paesi Bassi nel XVII secolo. Gli olandesi dimostrarono presto un interesse per gli oggetti e il loro potenziale di contenere significati simbolici, in particolare idee morali o spirituali. La tradizione della natura morta potrebbe essere iniziata quando i dipinti di scene religiose che includevano oggetti simbolici iniziarono ad essere dominati da questi oggetti. Nelle province settentrionali la narrazione è scomparsa completamente dal quadro. Le nature morte dell’inizio del XVII secolo erano tipicamente incentrate su dettagli naturalistici estremi e talvolta venivano commissionate da collezionisti di storia naturale, allevatori di fiori o altri con un interesse scientifico per esemplari provenienti dai Paesi Bassi o da viaggi di mercanti all’estero. I soggetti più popolari spesso riflettevano la fiorente identità olandese. I fiori, molto apprezzati nella vita olandese in generale, erano un altro soggetto molto di moda, e i loro dipinti venivano venduti a prezzi elevati. Verso il 1640, cominciò a manifestarsi una crescente preferenza per gli oggetti di lusso e le composizioni traboccavano di frutta e oggetti decorativi costosi, compresi beni esotici ottenuti dai viaggi remoti dei mercanti. Nonostante questi cambiamenti, gli artisti non hanno eliminato gli oggetti che potessero ricordare agli spettatori la loro fede protestante. La comparsa di questo tipo di dipinti coincise con la fine della tregua che le Province Unite avevano stretto con la Spagna e con le devastazioni della peste.
All’inizio del XVII secolo, Ambrosius Bosschaert il Vecchio e i suoi allievi dominavano la pittura di nature morte floreali. Le prime nature morte floreali erano solitamente disposte simmetricamente lungo un asse verticale. Di solito, i fiori singoli, dai colori vivaci, venivano posizionati su uno sfondo scuro o su un tessuto ricco. Jacques de Gheyn II fu un altro artista che si concentrò sulla pittura di nature morte floreali durante i primi decenni del XVII secolo.
Nel corso del XVII secolo, gli artisti Willem van Aelst e Otto Marseus van Schrieck allargarono ulteriormente i confini di questo genere giocando con composizioni e arrangiamenti. I loro dipinti offrivano un approccio più naturale e realistico poiché i fiori e gli alberi mostravano stati diversi. Alcuni famosi dipinti di alberi e fiori erano mostrati in piena fioritura, mentre altri erano già appassiti e defogliati.
Che la pittura di natura morta floreale attirasse anche i grandi nomi può essere vista in Il senso dell’olfatto di Jan Brueghel, dipinto nel 1617-18 ed esposto al Museo del Prado di Madrid, dove incluse raffigurazioni di centinaia di fiori diversi.
